Ключи к реальности

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.

Вы здесь » Ключи к реальности » Волшебная сила искусства » История на картинах

История на картинах

Страница:   1 … 17 18 19 20 21 … 27  
Ответить

Сообщений 181 страница 190 из 261

181

  • Автор: Алина
  • Активный участник
  • Алина
  • Зарегистрирован: 2017-02-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 5155
  • Уважение: [+0/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    20 дней 11 часов
  • Последний визит:
    2022-02-24 14:30:32

О том, как художник Чехов выручил художника Левитана

Великий русский художник Исаак Ильич Левитан родился в простой еврейской семье. И потому девятнадцати лет от роду по высочайшему повелению царя-батюшки был выселен из Москвы. Вместе с остальными евреями. О времена, о нравы.

Нужно ли говорить, что положение юного живописца, и без того едва сводившего концы с концами, было отчаянным? Не сумей он в кратчайшие сроки произвести впечатление на столичную публику — и проблема голода встала бы перед ним в полный рост. Что с учётом слабого здоровья и работы «на износ» означало ровно один возможный финал жизни Исаака...

История на картинах
Левитан И.И., «Осенний день. Сокольники», 1879, холст, масло, 63,5 × 50 см Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Осенний день. Сокольники» стал последним шансом молодого художника «остаться на плаву». Но даже вложив в эту картину всю свою душу, все силы и талант, он не был уверен в благосклонности критиков. И потому обратился за помощью к своему другу и сокурснику Николаю Чехову. Брату того самого Антона Павловича Чехова.

Так на картине появилась Она. Таинственная незнакомка, занявшая центральное место в композиции. Дама, чей образ получился очень «чеховским» что в прямом, что в переносном смысле. Движущаяся по дорожке наперекор всей логике картины, она буквально «переворачивает» её настроение и смысл.

А ведь ей не было места в исходном замысле Левитана. Она явилась на полотно чудесной, но незваной гостьей. Получилось очень «по-чеховски»: несвоевременная и хрупкая красота на фоне холодной торжественности природы...

История на картинах
Левитан И.И., «После дождя. Плёс», 1889, холст, масло, 80 × 125 см, Государственная Третьяковская галерея, Москва

Сам Левитан планировал строить пафос произведения вокруг символизма пустой скамейки. Мол, совсем недавно здесь, в Сокольниках, царило весёлое и щедрое лето. Днём и ночью не смолкали человеческие голоса, шаги и смех. Но с пришествием осени люди покинули парк, и теперь холодная тишина, предваряющая вальс опадающей листвы, всецело принадлежит аудитории картины. Пустая скамейка должна была подчёркивать эксклюзивное право зрителя быть главным и единственным героем момента. Тем, кто в полной мере осознаёт его величественную красоту.

Однако, художник понимал, что сильно рискует. Что может остаться непонятым, «не попасть в настроение» экспертов. И что самый верный, опробованный тысячами мастеров способ привлечь внимание зрителя к пейзажу — поместить в его центр человека. Поразмыслив и решившись, Исаак «наступил на горло собственной песне» и обратился к другу за помощью в создании женского образа.

Сработало. Картина потеряла первоначальное таинственное очарование, зато обрела новое смысловое и эмоциональное звучание. Психологизм картины свёлся к теме хрупкой человеческой личности на фоне стихии обстоятельств, в роли которой предстал волнующийся на ветру осенний лес. Присмотритесь, дорогой читатель: девушка движется в направлении, противоречащем тому, в котором устремляются все прочие доминанты композиции. Ветер, кроны деревьев и изгиб дороги зовут нас в неведомую даль, в то время как «чеховская девушка» приближается к зрителю. Не ново и весьма сентиментально, зато свежо и со вкусом.

История на картинах
Левитан И.И., «Свежий ветер», 1895, холст, масло, 72 х 123 см, Государственная Третьяковская галерея, Москва

В итоге работа была замечена, одобрена и приобретена купцом Павлом Третьяковым. Угроза голода отступила, а финансовые дела Левитана (медленно, но верно) пошли в гору.

Шесть лет спустя, весной 1885 года, восходящая звезда отечественной живописи Исаак Левитан гостил в имении Киселёвых. Где лично познакомился с Антоном Павловичем Чеховым. Их искренняя и крепкая дружба продлилась до самого финала жизненного пути мастера. Интересно, доводилось ли им теми апрельскими вечерами обсуждать сходство образа девушки с полотна «Осенний день. Сокольники» с образами героинь произведений великого русского писателя? Как знать. Во всяком случае, сама такая вероятность — уже занятный поворот Судьбы.

Минута медитации с картиной Левитана «Осенний день. Сокольники»

Автор: Лёля Городная.

0

182

  • Автор: Зайка голубые глазки
  • Активный участник
  • Зайка голубые глазки
  • Зарегистрирован: 2018-09-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 8212
  • Уважение: [+1/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    6 месяцев 5 дней
  • Последний визит:
    2022-12-30 00:23:42

А цена ей 250 рублей

Джошуа Рейнолдс. Амур развязывает пояс Венеры

Джошуа Рейнолдс написал свою картину в трёх версиях.

     Первая версия картины была написана в 1784 году по заказу Джона Джошуа Проуби, 1-го графа Кэрисфорта.  В том же году она была выставлена в Королевской академии художеств под названием «Нимфа и Купидон», хотя первоначально Рейнольдс хотел назвать её «Уступка» — об этом говорится в его записной книжке. Картина произвела фурор на выставке и собрала в прессе множество положительных откликов:

« В чертах Нимфы Красота и Выразительность, а в колорите Теплота и Богатство фламандской и венецианской школ»; «Это произведение имеет большие достоинства. Шаловливая Нимфа кокетливо откинулась, то, что один глаз прикрыт рукой, придает еще большую выразительность другому»;

      «Сэр Джошуа выше всяких похвал»; «Нимфа и Купидон сэра Джошуа, которую мы превозносим, лучше всякой другой картины в зале. Замысел и исполнение таковы, что ни один художник, кроме него, не мог бы так написать».

    Первая версия картины имеет размеры 124,5 ; 99,1 см. Картина долгое время хранилась в семье графов Кэрисфортов и в 1871 году была приобретена для галереи Тейт.
    Вторая версия картины была написана Рейнольдсом в 1785 году в подарок своей племяннице маркизе Томон. Этот вариант имеет размеры 124,5 ; 99,5 см. В мае 1821 года картина была выставлена на распродаже коллекции маркизы Томон в аукционном доме Кристис, где её за 535 фунтов стерлингов приобрёл знаменитый британский архитектор Джон Соун. После его смерти картина вошла в состав собраний мемориального музея Джона Соуна в Лондоне.
Последняя версия картины была написана 1788 году, заказчиком вновь выступил граф Кэрисфорт, который подарил картину светлейшему князю Г. А. Потёмкину. В расходных книгах Рейнолдса находится запись: «14 июня 1788 лорд Кэрисфорт за „Нимфу“, которая должна быть послана князю Потемкину — 105.00 гиней». Эта картина относительно двух предыдущих версий имеет чуть большие размеры. Картина хранилась в личных покоях Потёмкина в Зимнем дворце и после смерти светлейшего князя была выкуплена императрицей Екатериной II для личных комнат и записана в состав собраний Эрмитажа. В описи имущества, составленной после смерти Потемкина, она записана как «Венера сидит и играет с Купидоном, который теребит ее одежду», там же указана её цена — 250 рублей .
По оценке выдающегося искусствоведа А.Н. Бенуа, из трех произведений Д. Рейнолдса в коллекции Государственного Эрмитажа картина "Амур развязывает пояс Венеры" "самая изящная". Действительно, эта работа президента Королевской академии искусств в Лондоне привлекает своей интимностью и лиричностью. Богиня красоты и любви Венера кокетливо закрывает рукой лицо от нескромных взглядов. Амур, шаловливый малыш, тянет за концы голубого шелкового пояса, внимательно наблюдая за матерью. Классицизм искусства Рейнолдса здесь выступает во всем своем своеобразии.
  Художник переосмысливает наследие античной культуры не через непосредственное изучение "антиков", а через опыт великих мастеров прошлого, особенно фламандцев и Рембрандта. Рейнолдс решающее значение придавал колориту, считая, что именно цвет, и прежде всего теплая цветовая гамма, создает эмоциональный строй произведения. Холодные же цвета (в данном случае голубые ленты) используются для усиления теплых тонов или контраста с ними. Возможно, прототипом для образа Венеры послужила известная красавица Эмма Гамильтон, возлюбленная адмирала Нельсона.
Л. А. Дукельская в своём обзоре английского искусства, описывая эрмитажную картину, отмечает:
    "Действительно, в картине, которая лишь условно может быть отнесена к историческому жанру, Рейнолдс как бы освобождается от сковывающих принципов его собственной академической доктрины, от несколько навязчивой риторичности. Он пишет легко и свободно, отдаваясь творческому вдохновению. Одно из притягательных свойств этой картины кроется в её насыщенном колорите, мажорном звучании красок, в виртуозной манере исполнения."

История на картинах

0

183

  • Автор: Алина
  • Активный участник
  • Алина
  • Зарегистрирован: 2017-02-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 5155
  • Уважение: [+0/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    20 дней 11 часов
  • Последний визит:
    2022-02-24 14:30:32

Как жизненный кризис меняет стиль художника: нетипичный случай Юрия Пименова

История на картинах
Юрий Пименов до и после кризиса: слева - картина 1926 года ("Футбол"), справа - картина 1948 года ("Весеннее окно"). Обе работы - из собрания Астраханской картинной галереи.

Кризисы - нередкое явление в жизни творческих людей. И у нас, наблюдающих за ними со стороны, есть даже стереотипное представление о том, как жизненные невзгоды и творческие тупики отражаются на картинах художников.

Кажется, всё происходит так: пока у художника дела и настроение в порядке, он пишет светлые радостные картины (что-нибудь в духе Моне, Ренуара и прочих воздушных импрессионистов), а потом его настигают проблемы, непонимание, творческий тупик, а иногда и психиатрическая лечебница - и картины его мрачнеют, он начинает выдавать что-то изломанное, тревожное, болезненное, с нарушенными пропорциями и нереалистичными цветами, в духе Мунка, Шиле или немецких экспрессионистов.

История на картинах
Юрий Пименов. Бегом через улицу. 1963. Курская картинная галерея им. А. Дейнеки

Так вот, у Юрия Пименова (1903-1977) было всё наоборот!

В молодости, до кризиса, когда Пименов полон идей, сил и надежд, он вдохновляется картинами немецких экспрессионистов:

История на картинах
Юрий Пименов. Прозрачный зонтик. 1973. Холст, масло. 100 х 89,5 см. Музей Москвы

В начале 1930-х Пименов переживает тяжелую депрессию. Считается, что её спровоцировал несчастный случай - художника укусила бешеная собака, последовало длительное лечение. Но, возможно, страхи Пименова были связаны и со звучавшими обвинениями в формализме, искажении образа советского человека. "У меня расползались нервы", - так сам художник описывал своё тогдашнее состояние.

Из кризиса Пименов выходит совсем другим, его картины не узнать: вдохновившись живописью Пьера Огюста Ренуара, он создаёт свой собственный "советский импрессионизм" - тёплый, пропитанный солнцем (или уютными дождями), нежностью, безмятежностью и оптимизмом взгляд на мир и людей.

И таким оптимистичным Пименов будет уже до конца свой карьеры. И это будет очень успешная карьера! А многие свои докризисные работы Пименов уничтожит, некоторые сумеет даже изъять из музеев.

История на картинах
Юрий Пименов. Женщина в гамаке. 1934. Холст, масло. 130 х 162 см. Русский музей

А вам какой Пименов больше нравится - докризисный или послекризисный?

Кино и картины (с)

0

184

  • Автор: Алина
  • Активный участник
  • Алина
  • Зарегистрирован: 2017-02-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 5155
  • Уважение: [+0/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    20 дней 11 часов
  • Последний визит:
    2022-02-24 14:30:32

Всего одна картина-опровержение для тех, кто считает, что Малевич не умеет рисовать

Конечно, моё мнение субъективно. Сразу признаюсь: я люблю Малевича.

Я считаю, что не всякому хватит ума и смелости дойти до "Черного квадрата" в своих размышлениях о сути изобразительного искусства. Меня завораживают и даже пугают - по-хорошему, как пугает сильный роман или фильм - его "Красная конница" и "Крестьянка" с чёрным, похожим на гроб лицом (обе картины - из собрания Русского музея, оставлю репродукции в комментариях, а тут хочу показать только одну, обещанную в заголовке). Меня умиляют его опыты с импрессионизмом, хоть я и отдаю себе отчет, что они далеко не шедевры живописи и что мы бы не знали сейчас никакого Малевича, остановись он на импрессионизме.

Анекдоты про Малевича? Анекдоты - это хорошо. С удовольствием бы слушала, читала и смеялась, если бы появились оригинальные, свежие и по-настоящему остроумные. Потому что про сторожа дядю Васю, который к утру смог нарисовать "Черный квадрат", и про то, что ваш пятилетний племянник так сможет, уже давно не смешно, лет 100 как ("Черный квадрат", напомню, был представлен публике в 1915 году).

Так вот, одна картина. Прошу, не спешите с вердиктом про пятилетнего племянника.

История на картинах
Казимир Малевич. Крестьянки в церкви. 1911. Холст, масло. 75 × 97,5 см. Городской музей Амстердама (Стеделейкмюсеум)

Да, конечно, Вермеер и Рембрандт реалистичнее и виртуознее. Но, во-первых, зачем нам ещё один Вермеер и ещё один Рембрандт (и какой большой художник захочет быть чьей-то копией, тенью)? А во-вторых, на мой субъективный взгляд, это одна из самых сильных и реалистичных в плане психологической, а не формальной достоверности картин о вере и об искренней молитве. Посмотрите на эти грубые лица, которые - нет, не сможет изобразить ничей пятилетний племянник.

Эти крестьянки, написанные в неопримитивистком стиле (не потому что художник не умел иначе, а потому что он выбрал, решил, захотел написать их именно так), слышат и, вероятно, повторяют одни и те же слова. Они, как по команде, в один момент осеняют себя крестом. Заученные слова. Автоматические движения. Ритуал.

Но по их лицам, взглядам, позам видно, что каждая думает, просит, молит, умоляет - о чём-то своём. И Малевич сумел это "нарисовать". А я не сумела удержаться - и написала этот пост. А вдруг кто-то не видел эту вещь? И вдруг кому-то она понравится так же, как нравится мне? :)

Кино и картины (с)

0

185

  • Автор: Зайка голубые глазки
  • Активный участник
  • Зайка голубые глазки
  • Зарегистрирован: 2018-09-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 8212
  • Уважение: [+1/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    6 месяцев 5 дней
  • Последний визит:
    2022-12-30 00:23:42

Тайна портрета Кристофера Марло

История на картинах

В 1952 году в стенах кембриджского колледжа Тела Христова был найден портрет неизвестного автора с изображением неизвестного юноши. После реставрации и небольшого исследования была выдвинута гипотеза, что
на картине изображен не кто иной, как драматург Кристофер Марло. Единственное, что указывало в пользу этой версии, — надпись в левом верхнем углу картины: «В возрасте 21 года в 1585-м».
Действительно, по записям о крещении установлено, что в 1564 году
в Кентербери в семье мастера цеха сапожников и дубильщиков Марло родился мальчик Кристофер. Благодаря своим дарованиям и победившей Реформации, которая поощряла обучение талантливых детей за счет церкви, он получил отличное образование в Королевской грамматической школе. Обучение строилось на изучении религии, латинской грамматике, греческой литературе, пении и стихосложении. После успешного выпуска Кристоферу снова повезло: архиепископ Паркер как раз учредил несколько стипендий в Кембридже для уроженцев Кентербери.
Так сын ремесленника стал студентом колледжа Тела Христова, где готовился к духовной карьере. Одновременно он продолжал упражняться в стихосложении и в переводах из Сенеки, Аристотеля и Овидия (его перевод «Любовных элегий» был сожжен за безнравственность содержания сразу после публикации).
Исследователи портрета и биографы Марло задают себе вопрос: если неизвестный и драматург — одно лицо, то откуда у студента столь богатое платье? Но респектабельный вид Марло можно объяснить следующим образом: канцлер Кембриджского университета лорд Берли совмещал свой пост с должностью главного министра Елизаветы I и вербовал толковых студентов в агенты для Королевской секретной службы.
Британская агентская сеть была самой успешной и широкой шпионской сетью
в Европе, один за другим раскрывая католические заговоры против королевы. Какую именно роль играл в ней драматург — доподлинно неизвестно,
но университетские книги фиксируют частые отсутствия студента Марло
в последние годы пребывания в колледже. А в это же самое время был раскрыт заговор против королевы, имевший целью водворить на трон поддерживаемую католиками Марию Стюарт. Кроме того, по университету поползли слухи
о переходе Марло в католичество. Так что, когда время подошло к выпуску, руководство университета сначала не хотело давать ему степень, но неожиданно переменило решение, получив от Тайного совета письмо о том, что молодой человек «заслуживает вознаграждения за свое верное в отношении Короны поведение». На основании этого исследователи, придерживающиеся той теории, что на картине изображен сам Марло, утверждают, что богатый костюм юноша мог получить специально в честь написания портрета.
Получив степень, 23-летний Кристофер Марло прибыл в Лондон, чтобы продолжить службу королеве. Здесь он наблюдает за политическими играми, что впоследствии отразится в его драмах, а также присоединяется к группе вольнодумцев «Школа ночи». Она объединяла математиков, астрономов, географов и философов, собиравшихся для эзотерических обсуждений. Одним из центральных было обсуждение коперникианской гелиоцентрической картины мира, которой очень боялась в то время церковь. Тогда и начинаются неприятности Марло: его обыскивают, его самого и его друзей допрашивают под пытками, обвиняют в атеизме и хуле на Святого Духа, а также
в распространении кощунственных взглядов.
30 мая 1593 года Марло был найден зарезанным в частном доме в Дептфорде. Расследование установило, что вечер накануне он провел в компании с тремя мужчинами, каждый из которых имел то или иное отношение к Секретной службе, а также к покровителю интеллектуального кружка «Школа ночи» — Томасу Уолсингему. Расследование настояло на версии бытовой ссоры
в результате возлияний. Неофициально же как наиболее вероятные фигурировали две гипотезы о смерти Марло: первая, из которой следовало,
что Уолсингем опасался признаний Марло в ходе начавшегося расследования
и устроил «несчастный случай», и вторая — связанная с опасениями Тайного совета, желающего устранить вольнодумца до начала громкого дела об атеизме.
Надпись на портрете «Quod me nutrit me destruit» («Что меня питает, то меня
и убивает») вполне могла быть девизом человека, который жил ярко и умер молодым, — убеждены те, кто считает, что на картине мы видим именно Кристофера Марло.
Эта загадочная и трагическая смерть породила множество литературных размышлений авторов разных эпох: в частности, Юрий Нагибин в новелле «Надгробие Кристофера Марло» предполагает, что он был убит почитателем
его таланта, который таким образом хотел увековечить свое имя. Но самая волнующая версия смерти относится к так называемому шекспировскому вопросу: согласно американскому исследователю Кальвину Хоффману, смерть поэта была инсценирована, а сам он бежал на континент, где продолжил писать пьесы и сонеты, публикуя их в Англии под именем Шекспира (многие усматривают сходство юноши с изображениями Уильяма Шекспира).

0

186

  • Автор: Алина
  • Активный участник
  • Алина
  • Зарегистрирован: 2017-02-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 5155
  • Уважение: [+0/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    20 дней 11 часов
  • Последний визит:
    2022-02-24 14:30:32

Двойники современных звёзд на старых картинах. Часть I

Павел Воля, Семён Слепаков и Леонид Ярмольник путешествуют во времени

Леонид Ярмольник на картине Рембрандта

История на картинах
Фрагмент картины Рембрандта и фото актёра Леонида Ярмольника.

О картине: Рембрандт проиллюстрировал здесь историю из Ветхого Завета. Валтасар, новый царь Вавилона, устраивает многодневный пир по этому поводу. Посуды на многочисленных гостей не хватает - и царь распоряжается использовать в качестве столовых священные ритуальные сосуды.

История на картинах
Рембрандт ван Рейн. Пир Валтасара. Ок. 1635. Лондонская национальная галерея

Расплата за такое кощунство наступает немедленно: прямо на пиру в воздухе появляется рука, которая выводит на стене пророческую надпись. В послании сказано, что Валтасар погибнет, а царство его будет разделено. Пророчество сбывается в ту же ночь.

Семён Слепаков на картине Лукаса Кранаха

История на картинах
Слева: Лукас Кранах Старший. Иоганн Фридрих Великодушный, курфюрст Саксонии. 1533. Токийский музей изобразительных искусств Фудзи. Справа: Семён Слепаков, комик, продюсер, сценарист сериала «Домашний арест».

О картине: Иоганн Фридрих Великодушный жил в первой половине 16-го века, а Лукас Кранах написал множество его портретов (смотрите ещё несколько ниже).

По свидетельствам современников, курфюрст был настолько тучным, что лошадь не могла устоять под его весом - и даже по военным делам он должен был передвигаться в специальной повозке.

История на картинах
Лукас Кранах менял портретируемому только наряды :)

Он был образованным человеком: собрал одну из богатейших библиотек своего времени, считается одним из основателей Университета Виттенберга. Иоганн Фридрих Великодушный был ярым сторонником Мартина Лютера, с которым состоял в переписке, и Реформации. Курфюрста и художника связывали дружеские отношения.

Павел Воля на картине Ван Дейка

История на картинах
Слева: Фрагмент картины Антониса ван Дейка "Портрета Франса Снейдерса с женой", Справа: комик Павел Воля.

О картине: Франс Снейдерс с этого семейного портрета - тоже художник. Но у него хорошо получалось писать животных, фрукты и овощи, а людей - не очень. Снейдерс писал много сцен с поварами и рыночными торговцами в окружении гор аппетитной снеди. Считается, что людей на таких его картинах по его просьбе изображали другие художники. Вот и писать себя Снейдерс доверил другому мастеру.

История на картинах
Антонис ван Дейк. Портрет Франса Снейдерса с женой. Первая треть 17-го века. Музей в городе Кассель, Германия

Только не думайте, что Снейдерс был плохим художником! Вот одна из его картин. Красота! Просто портреты - не его жанр. А писать дичь и плоды с овощами на своих картинах Снейдерса звал сам Рубенс, у которого как раз люди выходили лучше всего. Снейдерс был одним из многочисленных учеников Рубенса, как и автор портрета Ван Дейк.

Кино и картины (с)

0

187

  • Автор: Зайка голубые глазки
  • Активный участник
  • Зайка голубые глазки
  • Зарегистрирован: 2018-09-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 8212
  • Уважение: [+1/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    6 месяцев 5 дней
  • Последний визит:
    2022-12-30 00:23:42

В 2006 году мир облетела новость, пришедшая из Англии: там был обнаружен один из немногих прижизненных портретов Марии Стюарт, королевы шотландской. Картину приобрела на аукционе Christie's в 1916 году Национальная портретная галерея Британии. Однако позже экспонат опознали как подделку 18 столетия и отправили в архив. Подробный анализ картины сделали спустя много десятков лет, применив для исследования рентгеновские лучи. Под слоями лака и краски были обнаружены очертания женского лица и надпись «Maria Scotiae» (Мария Шотландская). На основе анализа дерева, послужившего материалом для картины, ученые определили возраст экспоната: он относится к периоду 1560-1592 годов. Краска, которая была использована неизвестным художником, не применялась после 16 столетия. Таким образом, был сделан вывод, что этот портрет относится к категории прижизненных изображений королевы и был написан во время английского плена Марии Стюарт.)

История на картинах

0

188

  • Автор: Алина
  • Активный участник
  • Алина
  • Зарегистрирован: 2017-02-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 5155
  • Уважение: [+0/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    20 дней 11 часов
  • Последний визит:
    2022-02-24 14:30:32

Художник Сергей Евгеньевич Усик: искусство и любовь

Их встреча была чистой случайностью. Тогда, в свои 29 лет, он ещё не был тем большим художником, каким его знают сейчас. А вот она всегда, с самого рождения, была самою собою. Утончённой, изящной красавицей с непростой судьбой и требовательным характером.

Их роман стал абсолютной закономерностью. Порывистый и эмоциональный, но крайне талантливый и целеустремлённый молодой живописец решил, что навсегда останется с нею. И со временем лучше всех научился понимать её сложную и хрупкую натуру, с трудом прощающую ошибки и совершенно не терпящую фальши. И пускай он никогда не был единственным в судьбе, зато всегда был и остаётся для неё самым лучшим. А она стала для нашего героя абсолютным источником вдохновения, сутью творческого пути и щедрой покровительницей живописных начинаний.

История на картинах
Усик С.Е., «Осенняя вода»

Его зовут Сергей Евгеньевич Усик. По нашему (и не только нашему) скромному мнению, он — один из самых «сильных» мастеров пастельной техники из ныне живущих. Каким-то магическим образом ему дано предвидеть, какой из мириада возможных оттенков появится на свет после того, как на фактурную или даже гладкую поверхность лягут слои пигмента. Дано акцентировать внимание зрителя на самых «энергетически заряженных» участках композиции, не «повреждая» при этом тончайшую ауру целостности пастельного произведения. Позволять невесомым очертаниям объектов свободно «дрейфовать» на волнах воображения, и в то же самое время наполнять картины обобщённой, но от этого не менее эффектной и достоверной фигуративностью.

Не станем надолго останавливаться на технике художника. Благо задолго до нас этим занимались авторитетнейшие жюри российских и международных выставок. К примеру: когда после векового перерыва объединение пастелистов Французской Республики возобновило традицию интернациональных выставок, наш герой был приглашён к участию в качестве Почётного гостя. Ведь примерно за год до этого события французские коллеги официально признали Усика Мэтром пастельной техники. Вообразите себе эту небывалую честь, дорогой читатель: «законодатели жанра» отвели под экспозицию работ нашего соотечественника едва ли не впятеро больше мест, чем это было предусмотрено для каждого из местных художников...

История на картинах
Усик С.Е., «Девушка у воды»

Наше личное мнение таково: Сергей Евгеньевич Усик прекрасен во всём, что касается цветопередачи, создания объёма и работы со светом. И ещё более прекрасен в своём неотступном следовании общему замыслу произведения. Но самая главная составляющая успеха его работ —уникальный авторский взгляд на тему пейзажа. Совмещение эффекта ярких и свежих впечатлений, свойственных импрессионизму, с классической «созерцательной» основой реалистической живописи. Мастер очаровал нас способностью «идти от себя». Писать лишь то, что действительно занимает сердце и разум, и в процессе написания ещё глубже исследовать избранный сюжет. Превращать пейзаж в пространство эмоций. Именно это стремление сделать объективную реальность «обрамлением» собственной души, вложенной в картину, а не просто «вписать» личные переживания в контекст композиции, очаровывает нас более всего.

Поэтому мы без малейших сомнений называем пастельную технику любовью всей жизни героя нашей статьи. А их взаимоотношения — романом. Прекрасная Пастель — не просто краска, с помощью которой наш художник ведёт летопись своих чувств и рассказывает зрителю о красоте этого мира. Рождённая на берегах Апеннинского полуострова в XVI веке, некогда кружившая головы венецианским живописцам и французским мастерам «галантного века», сегодня эта сеньорита удивительным образом дополняет и направляет самые сильные стороны таланта Сергея Усика. Как некогда проделывала это с Венециановым, Кустодиевым, Серебряковой... Пастель — это искусство, к которому можно прийти только по дороге чистейшей искренности и невероятного трудолюбия. А стать её настоящим мастером, её рыцарем, защитником и адептом — значит полюбить красоту в себе, отказавшись от пустого самолюбования в искусстве.

История на картинах
Усик С.Е., «Лапландия. Зима»

Их роман длится по сей день. И даст Бог, продлится ещё много счастливых долгих лет. Поверьте, уважаемый читатель: однажды маститые историки искусства, упоминая нашу с Вами эпоху, одним из ярчайших её представителей будут называть Сергея Евгеньевича Усика. Художника, чей вклад в Ренессанс этого тонкого, сложного и прекрасного стиля в нашей стране ещё только предстоит по-настоящему оценить.

Автор: Лёля Городная.

0

189

  • Автор: Алина
  • Активный участник
  • Алина
  • Зарегистрирован: 2017-02-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 5155
  • Уважение: [+0/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    20 дней 11 часов
  • Последний визит:
    2022-02-24 14:30:32

Художник Питер Брейгель Старший: две башни

Плох тот художник, который не стремится время от времени переосмыслить свои творения. Особенно те, в которые вложил всю душу и всё мастерство. Ибо человеческая природа обожает выдавать рефлексию в качестве «бесплатного приложения» к таланту. И чем больше второй — тем сильнее первая.

И это прекрасно. По крайней мере, с нашей профессиональной точки зрения. Ибо никакие (авто)биографии и свидетельства современников не сравнятся с возможностью расположить перед глазами две иллюстрации похожих картин одного и того же автора. И увидеть, как менялись взгляды, вкусы, характер живописца. Понять его Путь...

История на картинах
Питер Брейгель Старший, «Крестьянин и разоритель гнезд», 1568

Безусловно, Питер Брейгель был великим художником. К тому же — большим поклонником хтонического гения Иеронима Босха. А значит — был обречён на «самокопание» и критическое отношение к собственным заслугам и достижениям.

Неизвестно, чья рука обрезала край картины, на которой Питер Брейгель Старший изобразил строительство Вавилонской башни, лишив нас шанса узнать точную дату создания шедевра. Зато всему миру известно, что картин на эту тему герой нашей статьи написал как минимум две. Поговаривают, что некогда существовало и третье произведения Брейгеля, посвящённое возведению мифического «небоскрёба», но его следы затерялись во мраке Прошлого.

Итак. Рентгеновская съёмка (и мнение абсолютного большинства экспертов) позволяют нам уверенно заявить: та брейгелевская «Башня», что хранится в городе Вене, была написана раньше той, что лишилась подписи мастера и экспонируется в Роттердаме. Этот же самый рентген рассказывает нам, что рефлексия «накрыла» великого голландца прямо в процессе работы. Ведь поначалу он планировал просто повторить основные очертания оригинальной композиции в меньшем масштабе.

А затем случилось нечто, заставившее мастера кардинально переосмыслить и переработать свою вторую, «роттердамскую» «Башню». Сделать её непохожей на предшественницу по целому ряду пунктов.

История на картинах
«Вавилонская башня», ок. 1565, дерево, масло, 60 × 74,5 см, Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам, Нидерланды

- Этот факт не спешит «бросаться в глаза», прячась за разницей форматов, цветовой гаммой и особенностями ландшафтов. Но если присмотреться получше (особенно — к фигуркам строителей), станет очевидно, что изображённая на картине из Роттердама башня «выросла» в 2,5 раза по сравнению с «венской». И потяжелела в целых 4 раза, если предположить, что обе они возведены из одного и того материала по схожей технологии. Итого: новый образ башни принялся «давить» на воображение аудитории с учетверённой силой.
- Изменились перспектива и угол обзора. В «венскую» башню можно как бы «заглянуть» сверху, в то время как линия горизонт на холсте из Роттердама опустилась ниже. Да и фасад «замкнулся», отстраняя нас от созерцания процесса строительства. В целом обновлённый образ здания полотна стал куда более пафосным и символическим.
- Из «роттердамской» композиции исчез царь Нимрод со свитой. Грозный и харизматичный мифологический персонаж и его окружение унесли с собою изрядную часть жанровой составляющей картины. Художник явно задался целью свести к минимуму любые сюжетные линии картины, усилив моральный нарратив.
- «Венская» башня стоит на огромной скале, превращённой строителями в фундамент колоссальной конструкции. А вот вавилонский исполин из Роттердама целиком рукотворен. Таким способом мастер решил подчеркнуть сугубо человеческую инициативу «дотянуться до небес». И убрал с картины любой намёк на то, что дерзкий план людей мог иметь хоть что-то общее с естественным ландшафтом как частью божественного замысла.
- Палитра «венской» башни прямо-таки «соткана» из светлых, лёгких оттенков. А вот её роттердамская «младшая» сестра построена из куда более тёмного камня и «кутается» в густые тени. Сразу ясно, кто из них — про эстетику, а кто — про воспитательный момент.

Смысловое наполнение обеих картин схоже: дерзкий замысел, бросающий вызов Богу, и потому обречён на провал. Однако, поздний Брейгель склонен видеть причину скорее в ошибках самих строителей, чем в пресловутом «смешении языков» из ветхозаветной истории. Посмотрите, дорогой читатель, как кренится в сторону городских кварталов «роттердамская» Вавилонская башня. Пестрящая недоделками и хаотичной непоследовательностью в действиях строителей «венская»героиня его полотна смотрится куда прочнее и стройнее.

История на картинах
Матвеев Ф.М., «Вид Рима. Колизей», 1816, холст, масло, 192.5 х 133.7 см

Суммируя сказанное выше, несложно понять намёк великого Брейгеля Старшего. Если в ранней своей версии картины он строго следовал сюжету библейской притчи о каре Господней как главной причине неудачи замысла вавилонян, то позже решил рассказать зрителю историю о том, что суетно и недолговечно всё, что творит человек. И не требуется никакого высшего вмешательства, чтобы пошли прахом даже самые масштабные труды и твёрдые амбиции. Не даром же роттердамский вариант исполинского строения стал так явно напоминать увеличенный в масштабах римский Колизей! Этот вечный символ проходящей власти, увядшей славы и хрупкости земных надежд...

Данная пара картин — яркое свидетельство того, какое мощное впечатление произвела на Брейгеля поездка в Италию. Как тонкая и чуткая натура художника восприняла вид античных руин древнего Рима знаком самой Судьбы. Самого Времени. Пропустила сквозь себя, обогатилась новыми идеями и потребовала воплощения в виде главного произведения в карьере великого живописца.

Автор: Лёля Городная.

0

190

  • Автор: Алина
  • Активный участник
  • Алина
  • Зарегистрирован: 2017-02-07
  • Приглашений: 0
  • Сообщений: 5155
  • Уважение: [+0/-0]
  • Позитив: [+0/-0]
  • Провел на форуме:
    20 дней 11 часов
  • Последний визит:
    2022-02-24 14:30:32

Художник Михаил Александрович Врубель: портрет Насти

Этот портрет кисти Врубеля не пользуется широкой известностью. А жаль. Картина получилась очень загадочной и своеобразной. Даже по меркам такого уникального и непредсказуемого мастера как Врубель.

С одной стороны — перед нами свободная трактовка образа героини. Успешная попытка мастера придать композиции визуальный объём, характерную живость, эмоциональное напряжение. С другой — нарочито безыскусный классический ракурс, «скульптурная» посадка головы и твёрдо очерченный профиль. При этом по мере удаления от зрителя черты лица и платья героини всё явственнее погружаются в абстрактные фоновые текстуры, превращая портрет в подобие барельефа. Такое впечатление, будто мастер отказался от части своего оригинального видения ради некоего стилистического эксперимента. Попытался применить свой фирменный стиль мозаичных мазков ради воплощения лишь ему одному понятной задумки.

На первый взгляд, в картине не кроется каких-либо сильных смысловых или эмоциональных посылов. Но всё же трудно не заметить ту энергетику символизма и монументальности, которой веет от этой простой композиции, построенной на несложной геометрии и тёплых тонах.

История на картинах
Врубель М.А., «Портрет Насти», 1894, холст, масло, 35 x 28,2 см, ГТГ, Москва

Всё объясняется достаточно просто. «Портрет Насти» был написан Михаилом Александровичем Врубелем под впечатлением от поездки по Средиземноморью. Наследие культур древних Греции и Рима наложило глубокий отпечаток на творчество русского гения. В частности — вдохновила его изобразить свою младшую сестру в образе античного божества. Ну или как минимум — героини древнегреческого мифа.

Художнику захотелось подчеркнуть изящную, аристократичную красоту девушки. А что может быть более возвышенным и изящным, чем сочетание мраморный бледности кожи, гордого ракурса «римского профиля» и взгляда, полного чувства собственного достоинства?

Впрочем, живописец не собирался превращать Анастасию в полное подобие классической статуи, подменяя истинный характер героини портрета. Мягкие черты лица героини, выбивающиеся из причёски непослушные локоны и «легковесные» детали её гардероба смягчают серьёзность античного нарратива. Возвращают достоверность образу Анастасии, не давая ей окончательно превратиться в аллюзию на какую- нибудь Афину, Артемиду или Ариадну...

История на картинах
Врубель М.А., «Суд Париса. Триптих», 1893, холст, масло, 317×398 см, ГТГ, Москва

Кстати говоря: согласно одному (весьма достоверному) предположению, в исходной версии картины Врубель изобразил сестру с обнажёнными плечами. Дабы ещё более усилить эффект перламутровой кожи и изящного стана героини. Но старшие члены семейства возмутились «фривольному» повелению художника, и тому пришлось спешно «придумывать» для Анастасии голубое платье, перекликающиеся с цветом глаз и ленты в волосах. А жаль. Только представьте, дорогой читатель, как много символической силы открылось бы в непосредственном и открытом взгляде героини портрета, предстань она перед зрителями во всём великолепии своей юной красоты... Но увы. Возможно, однажды реставраторы приоткроют завесу тайны и над этой деталью картины. Пока же всё что нам остаётся — использовать воображение.

Автор: Лёля Городная.

0

Ответить
Страница:   1 … 17 18 19 20 21 … 27  

Быстрый ответ

Напишите ваше сообщение и нажмите «Отправить»


phpBB [video]

Вы здесь » Ключи к реальности » Волшебная сила искусства » История на картинах